A MATTER OF TIME | Significado das músicas

Em "Clockwork", Laufey usa a metáfora do relógio para mostrar como os sentimentos românticos surgem de forma quase inevitável, mesmo quando tentamos resistir ou racionalizar. Expressões como “tick tock” e a repetição de “like clockwork” (“como um relógio”) reforçam a ideia de que a paixão segue um ritmo próprio, marcado pela ansiedade e pela antecipação, especialmente quando envolve um amigo — algo que a própria artista diz tentar evitar no início da música. O contexto do álbum, que aborda vulnerabilidade e desilusões amorosas, aprofunda essa sensação de que o coração age por conta própria, independente do controle racional.

A letra revela de maneira direta as inseguranças de quem está prestes a transformar uma amizade em romance. Em versos como “My head's a wild place, I've considered every way / Words I'll forget, deeply regret, he'll run away” (“Minha cabeça é um lugar confuso, já considerei todas as possibilidades / Palavras que vou esquecer, me arrepender profundamente, ele vai fugir”), Laufey expõe o nervosismo e o medo de se abrir demais. O autoconhecimento aparece em “I know I'm dramatic, but I caved in at his touch / I want him forever, oh my God, I've said too much” (“Eu sei que sou dramática, mas cedi ao toque dele / Quero ele para sempre, meu Deus, falei demais”). Apesar dessas inseguranças, o sentimento floresce de forma natural: “like clockwork, I fell in love with you” (“como um relógio, me apaixonei por você”). O arranjo musical, inspirado nos anos 1950 e em contos de fadas, reforça o contraste entre a insegurança interna e a doçura do momento, tornando a canção um retrato sensível do início de um amor.

Em "Lover Girl", Laufey aborda o conflito entre independência e vulnerabilidade diante de um amor à distância. A protagonista, que se vê como uma pessoa autossuficiente, admite perder essa postura quando sente falta do parceiro, como no trecho “independent lady in me's nowhere to be found” (a mulher independente em mim não está em lugar nenhum). A ausência do amado faz com que ela aja de forma que considera constrangedora, como esperar ansiosamente por uma ligação ou imaginar encontros que não vão acontecer. Essa honestidade aparece em versos como “reckless fever” (febre imprudente) e “hosting parties in my mind” (fazendo festas na minha mente), que mostram a intensidade dos sentimentos e a dificuldade de lidar com a distância.

O tom confessional e leve da letra, junto com a sonoridade inspirada em bossa nova e jazz, reforça a mistura de nostalgia e otimismo, mesmo diante da saudade. O verso “Oh, what a curse it is to be a lover girl” (ah, que maldição é ser uma garota apaixonada) resume a ambiguidade de viver um amor intenso: é ao mesmo tempo uma bênção e um peso, pois a protagonista se vê dominada por emoções que fogem ao seu controle. Laufey já declarou que a música fala sobre os desafios de amar alguém à distância, o que se reflete na narrativa da letra, marcada pela oscilação entre o desejo de manter a compostura e a entrega total à paixão. "Lover Girl" retrata, de forma sincera e acessível, as pequenas contradições e exageros do amor romântico, facilitando a identificação do ouvinte com as situações e sentimentos descritos.

"Snow White", de Laufey, aborda de forma clara e sensível o impacto dos padrões de beleza impostos às mulheres. A música destaca a pressão para alcançar uma perfeição inalcançável, evidenciada no verso: “A woman's best currency's her body, not her brain” (A melhor moeda de uma mulher é seu corpo, não sua mente). Laufey, em entrevistas, explicou que a canção reflete sobre a busca constante pela perfeição feminina e como isso alimenta inseguranças e autocrítica. Esse sentimento aparece em versos como: “Can't help but notice all of the ways / In which I failed myself, I failed the world all the same” (Não consigo deixar de notar todas as formas / Em que falhei comigo mesma, falhei com o mundo do mesmo jeito).

A referência à personagem "Snow White" funciona como símbolo do ideal de beleza: pele clara, corpo magro e perfeição quase irreal. Quando Laufey canta: “Sometimes I see her, she looks like Snow White / She's everything I am, but my wrongs are turned to rights” (Às vezes eu a vejo, ela parece a Branca de Neve / Ela é tudo o que eu sou, mas meus erros se tornam acertos), ela mostra como esse padrão é inalcançável e como a comparação constante gera sofrimento. O refrão reforça a sensação de inadequação: “The world is a sick place, at least for a girl / The people want beauty, skinny always wins / And I don't have enough of it / I'll never have enough of it” (O mundo é um lugar doente, pelo menos para uma garota / As pessoas querem beleza, magreza sempre vence / E eu não tenho o suficiente disso / Nunca terei o suficiente disso). O videoclipe, gravado de forma íntima na Islândia, intensifica o tom honesto e vulnerável da música, aprofundando a crítica aos padrões sociais.

Em "Castle In Hollywood", Laufey transforma a lembrança de uma amizade desfeita em uma reflexão sobre o fim da inocência e o processo de amadurecimento. O "castle in Hollywood" funciona como símbolo de um tempo idealizado da juventude, um espaço compartilhado que, após o rompimento, se torna inalcançável. O verso “Marked the end of our girlhood / We'll never go back to our castle in Hollywood” (“Marcou o fim da nossa juventude / Nunca mais voltaremos ao nosso castelo em Hollywood”) evidencia que a separação representa o encerramento de uma fase importante da vida, trazendo um tom nostálgico e melancólico à canção.

No contexto do álbum "A Matter of Time", Laufey se mostra mais vulnerável e aberta sobre seus sentimentos. Isso aparece em versos como “I wish I could tell you how I finally fell in love” (“Queria poder te contar como finalmente me apaixonei”), onde ela expressa o desejo de dividir conquistas pessoais com alguém que já foi fundamental, mas de quem se distanciou. A metáfora das "lilies" (lírios) que morrem no inverno e florescem na primavera sugere esperança e renovação, mas também reconhece que algumas perdas são irreversíveis. Detalhes do cotidiano, como “I couldn't borrow your sweater” (“Eu não pude pegar seu suéter emprestado”), mostram como a ausência da amiga afeta até os gestos mais simples. Ao chamar a ex-amiga de “the best, worst friend I've ever had” (“a melhor, pior amiga que já tive”), Laufey resume a mistura de carinho, mágoa e aprendizado que acompanha o crescimento pessoal.

Em "Carousel", Laufey utiliza a metáfora do carrossel para ilustrar a sensação de estar preso em ciclos emocionais repetitivos e exposto diante dos outros. Logo no início, ela pede desculpas: “Take my sincere apology / For all of my oddities” (Aceite meu sincero pedido de desculpas / Por todas as minhas esquisitices), mostrando consciência de suas inseguranças e dificuldades de se relacionar. A expressão "one man show" e a imagem de estar "tangled in ribbons" reforçam a ideia de que suas imperfeições acabam se tornando parte de uma apresentação involuntária, como se sua vida fosse constantemente observada e julgada.

O refrão traz o pedido para ser "tethered to your ground" (presa ao seu chão), sugerindo que a presença de alguém pode oferecer estabilidade em meio ao caos interno. Laufey amplia a metáfora ao mencionar a "city of acrobats / Of clowns and illusory traps" (cidade de acrobatas / de palhaços e armadilhas ilusórias), mostrando que o ambiente ao redor também contribui para a confusão emocional. A influência de artistas brasileiros e a mistura de estilos musicais dão à faixa um tom melancólico, mas acessível, tornando a vulnerabilidade da letra ainda mais próxima do ouvinte. "Carousel" retrata de forma honesta o desafio de se entregar a um relacionamento quando se sente preso em padrões difíceis de romper.

Em "Silver Lining", Laufey explora a leveza e a ironia ao transformar comportamentos considerados imaturos em gestos de afeto e liberdade. Nos versos “drowning in red wine and sniffing cinnamon” (afundando no vinho tinto e cheirando canela) e nas referências a brincadeiras de infância, a artista mostra como o amor pode ser um espaço seguro para resgatar a espontaneidade e a autenticidade, mesmo que isso desafie as expectativas adultas. Laufey já declarou que a música fala sobre deixar a criança interior vir à tona ao se apaixonar, e essa ideia se reflete claramente na letra, onde o relacionamento permite que ela se sinta livre para ser ela mesma, sem medo de julgamentos.

A expressão "silver lining" — que significa encontrar algo positivo em situações difíceis — é usada de forma irônica e carinhosa. No trecho “When you go to hell, I'll go there with you too” (Quando você for para o inferno, eu vou com você também), Laufey sugere que, mesmo diante de possíveis críticas ou consequências, o mais importante é a cumplicidade e o apoio mútuo. O videoclipe, com seu baile de máscaras, reforça a ideia de esconder e revelar identidades, enquanto o clima de fantasia e caos visualiza a liberdade emocional proporcionada pelo amor. Assim, a música equilibra vulnerabilidade e esperança, mostrando que o verdadeiro "silver lining" está na parceria e na aceitação das imperfeições dentro do relacionamento.

"Too Little, Too Late", de Laufey, aborda o sentimento de resignação diante de um amor perdido, destacando a sensação de inferioridade e deslocamento da narradora. Ela se descreve como "jester" (bobo da corte), enquanto o novo parceiro da pessoa amada é chamado de "ruler" (governante), reforçando a ideia de que nunca poderia competir com esse novo relacionamento. A honestidade dos versos fica evidente em frases como “I should've chased you 'cross every single state” (Eu deveria ter te procurado por todos os estados) e “I should be who you're engaged to” (Eu deveria ser quem está noiva de você), que expressam um arrependimento profundo por não ter lutado pelo amor quando ainda havia tempo.

O solo de violino de Junia Lin, irmã gêmea de Laufey, intensifica a atmosfera de saudade e perda, complementando o tom melancólico da balada ao piano. A letra também explora o peso das oportunidades perdidas e do destino, como em “Lost my fight with fate / A tug-of-war of leave and stay / I give in, I abdicate” (Perdi minha luta com o destino / Uma queda de braço entre partir e ficar / Eu cedo, eu abdico). Aqui, abdicar significa aceitar que o momento de agir já passou. O verso final, “I'll toast outside your wedding day / Whisper vows I'll never say to you” (Vou brindar do lado de fora do seu casamento / Sussurrar votos que nunca vou dizer a você), resume o sentimento de estar à margem de uma felicidade que poderia ter sido sua. A música é um retrato sincero do arrependimento e da aceitação dolorosa de que, às vezes, o amor chega tarde demais.

A música "Cuckoo Ballet (Interlude)" de Laufey, apesar de não ter uma letra explícita, evoca uma série de imagens e sentimentos através de sua composição instrumental. Laufey, conhecida por sua habilidade em mesclar jazz com elementos contemporâneos, cria uma peça que parece convidar o ouvinte a uma viagem introspectiva e imaginativa. O título "Cuckoo Ballet" sugere uma dança peculiar, talvez remetendo a um balé de cuco, que é um pássaro conhecido por seu canto distinto e comportamento único.

A escolha do termo "Interlude" no título indica que a música serve como uma pausa ou transição dentro de um álbum, proporcionando um momento de reflexão ou mudança de atmosfera. Essa interlúdio pode ser vista como uma metáfora para os momentos de pausa que precisamos em nossas vidas, onde podemos nos reconectar com nossa essência e encontrar beleza na simplicidade. A música instrumental permite que cada ouvinte projete suas próprias emoções e histórias, tornando-se uma experiência pessoal e única.

Laufey, com sua formação clássica e influência jazzística, utiliza "Cuckoo Ballet (Interlude)" para explorar a liberdade criativa e a expressão artística sem palavras. A música instrumental tem o poder de transcender barreiras linguísticas, comunicando-se diretamente com as emoções do ouvinte. Assim, a peça pode ser interpretada como uma celebração da individualidade e da criatividade, convidando-nos a dançar ao som do nosso próprio "cuco" interior.

Em "Forget-Me-Not", Laufey explora a saudade e o medo de perder sua identidade cultural após anos longe da Islândia. A alternância entre inglês e islandês na canção destaca esse sentimento, especialmente no verso em islandês: “Gleymdu mér aldrei þó ég héđan flýg” ("Nunca se esqueça de mim, mesmo que eu voe para longe"). Esse pedido revela o desejo de manter vivas suas raízes, apesar da distância física e do tempo.

A letra traz lembranças sensoriais e afetivas da Islândia, como em “I miss the wind, stone cold kiss on my cheek” / “I'm still that child on a black sand beach” ("Sinto falta do vento, beijo gelado na minha bochecha" / "Ainda sou aquela criança em uma praia de areia preta"). Essas imagens reforçam a conexão emocional da artista com sua terra natal. Laufey também expressa o receio de não ser mais "suficientemente islandesa", um sentimento comum a quem vive entre culturas. Ao incorporar elementos de canções de ninar islandesas, ela reafirma sua ligação com as origens, transformando a música em um apelo para que sua terra e cultura não a esqueçam, mesmo enquanto ela busca novos caminhos longe de casa.

Em “Tough Luck”, Laufey transforma o ressentimento de um término tóxico em uma afirmação de poder pessoal, marcada por ironia e sarcasmo. Em vez de se colocar como vítima, ela assume o controle da situação, deixando claro que não vai mais tolerar mentiras e traições. Isso fica evidente em versos como “I'll break it first, I've had enough / Of waiting till you lie and cheat” (Eu vou terminar primeiro, já cansei / De esperar até você mentir e trair). A música representa uma virada na carreira de Laufey, mostrando um lado mais direto e visceral, tanto na letra quanto na instrumentação, que traz uma energia jazzística mais agressiva.

A letra expõe as manipulações e o ego frágil do ex-parceiro, ironizando até mesmo clichês de masculinidade, como em “You say I'd never understand / The things that make a man a man” (Você diz que eu nunca entenderia / As coisas que fazem de um homem, um homem). Laufey critica abertamente o comportamento tóxico e a hipocrisia do ex, mencionando traições passadas: “Just like you did to the actress before me / Oops, she doesn't even know” (Assim como você fez com a atriz antes de mim / Ops, ela nem sabe). O tom sarcástico se intensifica quando ela zomba das tentativas do ex de diminuí-la: “I'm not quite as smart as I seem / That I'm a loud-mouth nobody / My accent and music are dumb / Your tattoos are no better, hun” (Eu não sou tão esperta quanto pareço / Que eu sou uma tagarela qualquer / Meu sotaque e minha música são idiotas / Suas tatuagens não são melhores, querido). No final, a expressão “tough luck” serve como um recado direto: ele não fará falta, e ela está aliviada por vê-lo partir. A canção se destaca como um hino de libertação e autoconfiança, mostrando como Laufey transforma a mágoa em força.

Em "A Cautionary Tale", Laufey aborda a autocrítica e a dor do término, destacando como a entrega total em um relacionamento pode levar à perda de identidade e dignidade. A artista utiliza a expressão "chameleon heart" (coração de camaleão) para mostrar sua tendência de se adaptar ao parceiro, chegando a absorver até mesmo aspectos negativos, como a "draining personality" (personalidade exaustiva) do outro. O refrão, ao repetir "I gave it too much, I gave myself up" (eu dei demais, eu me entreguei), reforça o excesso de dedicação e o preço emocional pago por isso, conectando-se ao tema recorrente do álbum sobre as consequências de se doar demais em busca de amor.

A letra também traz uma visão empática sobre o ex-parceiro, especialmente nos versos "inside you, there's a guiltless child who never saw his mother smile" (dentro de você, há uma criança inocente que nunca viu sua mãe sorrir), sugerindo que as falhas emocionais dele têm origens profundas e não são totalmente culpa sua. Apesar de tentar "consertar" o parceiro, a narradora reconhece seus próprios limites: "I can't fix you, God, I tried" (eu não posso te consertar, Deus, eu tentei). O título "A Cautionary Tale" funciona como um alerta para quem se identifica com essa experiência, mostrando que histórias de autossacrifício e desilusão amorosa continuam a se repetir, como no verso final "One more lover fails, cautionary tales continue to happen to me" (mais um amor fracassa, contos de advertência continuam acontecendo comigo). O tom reflexivo e melancólico da canção, junto à sonoridade do álbum, reforça a maturidade de Laufey ao transformar uma experiência dolorosa em aprendizado.

Em "Mr. Eclectic", Laufey faz uma crítica direta à superficialidade de pessoas que tentam impressionar com referências cultas, mas carecem de autenticidade. O personagem-título, Alan Park, é apresentado como alguém que ostenta uma fachada intelectual, citando "epics and ancient prose" (épicos e prosa antiga) apenas para parecer sofisticado. A letra expõe essa postura de forma sarcástica, especialmente no verso "Truth be told, you're quite pathetic" (Para ser sincera, você é bem patético), deixando claro o desprezo da narradora pela atitude condescendente do interlocutor.

O refrão reforça essa crítica ao questionar se o personagem já refletiu sobre com quem está falando, indicando que a narradora já está acostumada com esse tipo de abordagem vazia: "The very expert on the foolish things that men have said to woo and win me over" (A verdadeira especialista nas coisas tolas que homens já disseram para me conquistar). Expressões como "What a poser" (Que impostor) e "You're just a stoner patronizing me" (Você é só um maconheiro me tratando com superioridade) desmontam a imagem de genialidade do personagem, mostrando-o como alguém que apenas finge profundidade. O contexto do álbum, que aborda desilusões e experiências de jovens adultos, reforça a mensagem sobre a importância da autenticidade nas relações, tornando a crítica de Laufey ainda mais relevante para o público atual.

Em "Clean Air", Laufey transforma sua vivência de um inverno escuro na Islândia em uma metáfora para a busca de libertação pessoal. A referência a "três horas de luz solar" não se limita ao clima do país, mas simboliza a falta de alegria e energia em períodos de sofrimento emocional. A artista utiliza imagens como "tiny comments ricochet like bullets" (pequenos comentários ricocheteiam como balas) para mostrar como palavras aparentemente inofensivas podem causar feridas profundas e duradouras.

O verso "get the fuck out of my atmosphere" (saia da minha atmosfera) marca o momento em que Laufey decide afastar influências negativas de sua vida, sejam pessoas, situações ou sentimentos. Segundo a própria artista, "respirar ar puro" representa o renascimento e a sensação de se livrar de experiências tóxicas, abrindo espaço para um futuro mais leve. A repetição de "sweeter pastures wait for me like a lover" (pastos mais doces me esperam como um amante) reforça a esperança de dias melhores. A colaboração com Aaron Dessner contribui para a atmosfera emocional da música, misturando melancolia e determinação. Assim, "Clean Air" retrata de forma honesta o processo de cura, mostrando a coragem necessária para deixar o passado para trás e buscar renovação.

Em "Sabotage", Laufey aborda a autossabotagem como um mecanismo de defesa diante do medo de se mostrar vulnerável em um relacionamento. A artista revela, de forma direta, como a expectativa de fracasso não surge da falta de sentimentos, mas de uma convicção interna de que ela mesma pode destruir algo bom. Isso fica claro no trecho: “It's just a matter of time till you see the dagger / It's a special of mine to cause disaster” (É só uma questão de tempo até você ver a faca / É um talento meu causar desastre), onde Laufey expressa a certeza de que suas inseguranças e atitudes autodestrutivas acabarão prejudicando a relação.

Em entrevistas, Laufey explica que a música explora o contraste entre o caos interno e uma aparência calma, mostrando que até pessoas tranquilas podem carregar emoções intensas, como a raiva. O instrumental, com elementos sonoros propositalmente desordenados, reforça a sensação de ansiedade e o ruído mental presentes na letra. A repetição de “You assure me you love me / And seal it with a kiss / I can't be convinced” (Você me garante que me ama / E sela isso com um beijo / Eu não consigo acreditar) destaca a dificuldade de aceitar o amor do outro, já que a autossabotagem se tornou um padrão. Assim, "Sabotage" retrata de forma honesta a luta interna de quem teme ser ferido e, por isso, acaba antecipando – ou até provocando – o próprio fim do relacionamento.